"L'Art est une blessure qui devient lumière "André Verdet, écrits sur l'Art,1954,"la peinture et nous"

Georges Braque, voici une première oeuvre présentée," la maison sur la colline" est de sa période  pré-cubiste, 1908/1909, à Bâle aujourd'hui, la deuxième plus tardive est une de celles que je préfère car elle signe sa fidélité au cubisme avec un reste de fauvisme, "Nature morte brune", 1932, couleur et forme, équilibre et harmonie réunis .

J'en ai aimé d'autres bien-sûr, d'ailleurs j'avoue que j'aurais aimé rester des heures devant certaines depuis si longtemps admirées, la visite d'une exposition est toujours trop courte et déchirante pour moi, comme pour les autres, je le suppose, quand on a la chance d'avoir devant ses yeux des toiles de cette importance, on a beaucoup de mal à les quitter!!       

Pourquoi choisir deux toiles comme cela arbitrairement alors que la retrospective présentée actuellement au Grand Palais à Paris compte 238 tableaux, gravures, sculptures et dessins? celles-là, montrent la jeunesse de cet artiste avec d'immenses découvertes et la maturité, la plénitude de Braque, peintre unique, qui a grandi autrement à l'ombre de ce grand arbre que fût Picasso son compagnon du cubisme, avec beaucoup d'intelligence et de cohérence. Je suis si admirative devant cette esthétique si maîtrisée, qu'elle restera un modèle pour moi .

Comme vous le savez, tous les deux: Picasso et Braque ont fait voler en éclats la perspective traditionnelle héritée de la Renaissance. Depuis toujours une question se posait aux peintres: Comment représenter la réalité?, franchissant une nouvelle étape, ces deux artistes vont remettre en question la façon habituelle de la représenter. Un objet ou un spectacle possédant un volume ou du relief, c'est à dire en trois dimensions. Braque et Picasso vont ensemble créer une nouvelle façon de les représenter mais aussi peindre l'espace non pas tel qu'on le voit mais tel qu'on le sait. Braque raconte ainsi son travail avec Picasso, on est en 1905:" on s'est dit des choses qui seraient incompréhensibles mais qui nous ont donné tant de forces comme la cordée en montagne". Dans la période pré- cubiste, Braque, influencé totalement par le travail de Cézanne son maître  montre ses recherches en volumétrie. En supprimant la perspective italienne, une notion nouvelle peut s'exprimer: celle de l'espace plein. Braque dit" dans dans la nature, il y a cet espace tactile, je dirais presque manuel"

.La perspective devient montante suggérée par des plans et des volumes qui s'organisent de bas vers le haut sans l'aide d'artifices, celui de la lumière en particulier, celle-ci devient neutre permettant une dissociation analytique des objets. Picasso et Braque se complètent et travaillent dans le même sens. Picasso plus lyrique, choisit des tons chauds(jaune et bruns), Braque préférant les tons froids et discrets( verts ocres et gris), ceci jusqu'en 1911. La couleur, Braque l'avait mise de côté si l'on peut dire depuis sa période fauve" il fallait bien créer un espace avant de le meubler", il y reviendra et finement, la deuxième toile le montre, tout en restant cubiste jusqu'au bout, fidèle à ses rencontres, sa quête et sa technique si perfectionniste où "la règle corrige (trop souvent peut-ëtre) l'émotion".     

 Pendant l'exposition , j'ai pris beaucoup de notes, car voyez-vous je dois bientôt faire une conférence sur l'influence de Cézanne sur la peinture d'Avant-Garde, en effet à partir de lui et du cubisme, la peinture en général va se libérer des rapports avec la réalité visible pour aller vers l'Abstraction.

      Je me devais de vous donner mes impressions d'historienne de l'art, dans mon petit coin du languedoc, après la visite de cette immense exposition parisienne, comme il y en a peu.Je suis si contente de l'avoir vue.

Chère Ana, je suis ravie que tu me demandes ce que je pense de ce tableau "les Ménines" de Diego Valasquez. Tableau très célèbre, et trés interprété!!, il est normal que tu te poses un tas de questions sur cette oeuvre magistrale, datant de 1656, aujourd'hui au musée du Prado à Madrid.En tant qu'historienne qui se respecte je ne donnerai pas en ce qui me concerne une interprétation définitive de ce tableau par contre, je pense vraiment qu'il se dégage de cette oeuvre fascinante à plus d'un titre, la reflexion d'un artiste, du siècle d'or espagnol, hors norme  sur l'idée de " la représentation".    

Il montre ici l'ambiguité de la réalité extérieure et de la réalité picturale, la coéxistence de deux mondes: celui de l'Art et celui de la vie

C'est un exercice étonnant, comme un troublant labyrinthe  où le spectateur est renvoyé d'une figure à une autre. C'est un tableau miroir, un tableau piège, avec un jeu de reflets , une inversion des rôles des regardés et du regardant. Alors quelle est la place du peintre, du roi, de la reine?Avant tout, nous avons devant nos yeux " les demoiselles d'honneur de la petite infante Marguerite dans l'atelier du peintre" naines bien célèbres: les Ménines. 

Que veut-il nous montrer? ,Velasquez s'est représenté en train de peindre une toile, dont seul, le revers est visible  Un miroir situé sur le mur du fond capte l'image du roi PhilippeIV  et de la reine Mariana absents de l'espace cadré par le peintre. Alors se pose cette question, ce miroir montre-t-il le hors champ de la scène peinte, c'est à dire l'endroit situé en avant du tableau où se cachent les monarques?peut-être mais.....     

Ni Velasquez , ni les souverains ne sont le centre autour duquel s'organise le spectacle. Celui-ci est imaginé à partir d'un point de vue extérieur:celui. du spectateur qui invite à occuper la place qu'occupaient les modèles. Dans son regard, la représentation, des dignitaires les plus prestigieux ne saurait exister et c'est au profit de la souveraineté de la peinture que le peintre sacrifie celles des  monarques

en célébrant par la représentation de la grande toile retournée des cadres, des peintures, et du miroir," l'art d'une illusion capable de rendre présent un  sujet absent", c'est  une prouesse technique et c'est très fort sans parler de sa facture somptueuse : le rendu des chairs et de la soie, de la lumière subtile sur la robe de l'infante, traduite par des tâches de blanc de jaune sur fond vert.

Velasquez résume dans ce tableau tout son art et sa science, c'est aussi l'expression d'une certaine liberté d'un artiste dont le destin semble trop lié à la cour du roi et qui ici s'échappe le temps d'une oeuvre de façon brillante.  

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Une après-midi, j'ai emmené mes stagiaires tourisme (Mélissa, Emilie, Patricia et Cristobal, sont les plus assidus) visiter quelques monuments importants de notre région, après l'Art Roman avec l'abbaye de St Guilhem le Desert où nous étions peu nombreux mais où nous avions rencontré une jeune Carmélite de la Communauté actuelle , nous sommes allés visiter aussi, l'église St Dominique à Clermont-hérault, sur le site du Lycée Général actuel, appelée plus communément par les clermontais, et surtout par ignorance, la chapelle des pénitents, à cause d'une confrérie qui tint un petit moment ses assises au lendemain des convulsions révolutionnaires en 1808. Historiquement, il est plus exact de dire l'église des Dominicains, ceux-ci sont en effet à l'origine de l'édifice, ils la construisirent au xivème siécle, en fondant ici un couvent de leur ordre où ils devaient se maintenir pendant plus de 500 ans. Ces Dominicains se sont faits connaitre par l'Inquisition, ils étaient en effet chargés de ramener les Cathares vers l'orthodoxie chrétienne et ont été ainsi nommés" les Fréres Prêcheurs". Ils organisaient des réunions contradictoires houleuses où ils refutaient la thèse des" Parfaits".

Cette église de l'ancien monastère a été dégagée recemment sur son côté Nord, laissant apparaitre un appareillage assez grossier et des contreforts puissants. Les restaurateurs ont eu la très bonne idée de construire des contreforts neufs presque design pour soutenir les maisons sur la même rue montrant ainsi l'environnement gothique important du secteur, les mettant en valeur. Ces élements: contreforts ou arcs boutants sont essentiels dans cet art, de manier l'espace, comme la voûte sur croisée d'ogives.          

Ce qui frappe quand on entre dans cette église c'est l'ampleur du vaisseau, l'harmonie des proportions, l'élégance   on en éprouve une forte impression d'art où se mêlent de façon contradictoire, l'oubli du monde une certaine intériorité entre des murs bien fermés et un romantisme gothique." Une pareille vôute, comme l'écrit le poète Goethe dans ses écrits sur l'esthétique " qui jette l'âme dans le recueillement, cette mystérieuse horreur des bois qui porte à la méditation, la cathédrale les reproduit par ses sombres murailles et au dessous, par la forêt de piliers et de colonnettes qui se déplioent librement et se rejoignent au sommet".

Un mot sur le gothique tel qu'il faut l'entendre.

Ce mot qui servit à baptiser le style de toute une ère fut forgé en un temps qui s'attribuait le mérite d'avoir surmonté le Moyen-Age. La Renaissance a divisé en trois grandes périodes, l'évolution culturelle de L'Occident: L'Antiquité qui fixa les canons de tout l'art ultérieur; la "barbarie" du Moyen-Age qui perdit ses modèles et les temps modernes qui s"efforcent de les retrouver et de les observer.

Georgio Vasari un grand architecte de la Renaissance a imaginé la définition de l'art gothique qui devait perdurer jusqu'au 18ème siècle." De toutes les peuplades barbares qui d'au-delà des Alpes lors des grandes migrations, firent irruption dans la civilisation de l'Antiquité ce sont visiblement les Goths qui lui apparaissent comme les pires corrupteurs du goût"; 

Il semblerait en somme que le goût gothique, selon les renaissants  soit né d'un manque de reflexion sur ce qu'il convient de faire!.....Le premier à avoir émis un avis favorable sur le gothique est Goethe après avoir vu la cathédrale de Strasbourg, il écrit" lorsque je me dirigeai pour la première fois vers la cathédrale, j'avais le cerveau farci de notions sur le bon goût..Et en marchant je frémissais d'avance à l'idée de voir un monstre difforme, hérissé. Mon âme fut en fait pénétrée d'une très forte impression que je pouvais certes savourer mais nullement définir ni expliquer parce qu'elle émanait de mille détails qui s"harmonisaient.. Combien de fois y suis-je retourné, de tous endroits, de toutes distances...

Le romantisme ouvrit la voie à une plus juste compréhension du Moyen-Age, dans son essence propre et non plus en le comparant aux monuments de l'antiquité . On redécouvrit cette époque, des noms sont attachés à cette réhabilitation comme Viollet-le Duc ou des poètes écrivains comme Chateaubriand ou Hugo et d'autres..;   

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En ce moment, je réalise un diaporama sur l'histoire de la peinture occidentale, pour donner un aperçu à des élèves stagiaires en formation tourisme -patrimoine, que je vais bientôt rencontrer, de l'évolution des formes des techniques et des idées au cours des siècles.Dans cette formation, nous abordons tous les aspects du Patrimoine, aussi bien naturel qu'historique et artistique afin d'envisager leur valorisation dans divers projets de développement du tourisme.

La création et l'implantation de musées  dans la région languedoc-Roussillon ont suivi pour la plupart, celles qui se sont faites dans le pays  dans le début ou le courant du 19ème siècle. Ils participent pleinement à l'animation de la Région et constituent un atout économique pour son tourisme à.Montpellier, Sète, Lodève, Céret, Beziers entre autres...;

De tout temps, cette région a été choisie par les peintres pour la lumière et la découverte de la couleur, n'oublions pas qu'à Collioure est né le Fauvisme. Bien connaitre son patrimoine et avoir quelques connaissances permet  de le protéger, de bien le partager et surtout de le valoriser.Ce Ne sont ici que quelques unes des reproductions de tableaux utilisées dans le diaporama.

Ci-dessous:- Les fresques de St Savin dans la Vienne ( 12ème siècle)

                - Le Christ en raccourci, Mantegna ( 1ère renaissance)

                - La Flagellation du Christ, Le Caravage ( Baroque)

A Propos de peinture, mon étude part du Moyen-Age jusqu'au19ème siècle, en ayant toujours en tête, certaines questions permanentes:- le statut de l'artiste,- le mecenat,- comment représente-on la réalité visible ou non  et avec quelles techniques? et enfin,- la question centrale de la modernité, qui fait évoluer la peinture et qui devient encore plus importante après le 19ème siècle où les mouvements s'accélèrent  conduisant fatalement à l'abstraction. Le 19ème est traité comme une période charnière où les grands changements s'opèrent.

Ci-dessous: le verre en argent, Chardin ( 18ème siècle)

La  Rencontre entre Alfred Bruyas, le mécène et le peintre Gustave Courbet ( Fin du 19 ème siècle), Musée Fabre à Montpellier.

Alfred sisley, la neige à Louveciennes ( péroide impressionniste)

Eugène Delacroix,, La mer vue des hauteurs de Dieppe, ( le pré-impressionnisme, 19ème siècle) 

Edouard Manet, Olympia ( La Modernité par excellence , 19ème siècle)

Eugène Delacroix, les Femmes d'Alger, l'orientalisme du 19ème siècle, Musée Fabre à Montpellier    

      Théodore Géricault, le Radeau de la Méduse, Chef-d'oeuvre majeur qui va ébranler le monde pictural de l'époque ,19ème siècle, traitant d'un sujet contemporain sur un mode épique un fait divers, un naufrage, on est là en pleine modernité, une nouvelle façon d'envisager la peinture vient de naître et le statut de l'artiste vient aussi de changer. On peut comprendre qu'à partir de là les choses vont s'accélerer!

      Antoine Calbet, peintre, dessinateur et illustrateur 

Je ne pouvais pas ne pas parler de cet artiste, auteur de cette affiche très amusante sur les boues de Barbotan-les thermes dans le Gers, pays du foie gras et de l'Armagnac, où je suis depuis quelques jours. Il s'agit d'une affiche publicitaire sur les chemins de fer du midi, très à la mode au 19ème siècle, qui vont permettre de découvrir les paysages de la France et developper la peinture de paysage

. J'ai une affection toute particulière pour les affiches de cette époque, les images de publicité auxquelles j'étais très sensible quand j'étais enfant, les bons peintres ont aimé s'emparer de cet art très populaire, lancé par des grands coloristes comme Bonnard ou encore avant Toulouse-Lautrec. Antoine Calbet était l'élève de Cabanel le fameux peintre" pompier": style un peu leché, mièvre et lyrique très ostentatoire et très académique, dont vous pouvez voir des oeuvres au musée Fabre à Montpellier, d'ailleurs Calbet s'est formé  dans cette ville  et son talent a été très vite reconnu surtout comme illustrateur. 

je suis en cure pour le dos, comme beaucoup de gens ici à Barbotan et cela peut être joyeux comme sur la photo, car les fameuses boues font je vous l'assure de l'effet et plus que les médicaments. On peut effectivement repartir de là avec plus de mobilité et de souplesse.

La cure, cura vient du latin archaique" curae", apporter tout son soin à quelque chose, en avoir cure, à l'époque romaine de Cicéron 106-43 avJ.C on parlait des affaires, sine cura signifie aussi pas de souci, le souci au 11ème est plutôt amoureux

.Au Moyen-age" n'en avoir cure" a le sens de ne pas se soucier de, c'est aussi parce que son contraire" avoir cure" ( c'est à dire obtenir le bénéfice d'une cure), gage de prospérité, le bas clergé qui ne pouvait prétendre à un diocèse, s'en souciait énormément.

Ce n'est qu'au 19ème siècle que ce terme signifie l'usage abondant de quelque chose, ici en l'occurrence de soins spécifiques, bains , massages, boues etc... mais cela peut être aussi faire une cure de chocolat ce qui est aussi très agréable!! mais plus dangereux si cela dure plus de 18 jours temps obligatoire pour une cure !Les affiches pour le chocolat sont pas mal non plus. Il y en a beaucoup de ce genre.

          Ces deux vignettes pour le chocolat Menier: celle de droite est de Firmin Bouisset, 1893 et celle de gauche de Jacob, 1900.